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Die Freudsche Matrix

Ingo Juknat — Fri, 30 Jul 2010 12:29:15 GMT

Wahrscheinlich hat noch nie ein Film Freud so wörtlich genommen wie "Inception." Die subtilsten Metaphern sind es jedenfalls nicht, die Christopher Nolan für seinen Trip ins Unterbewusste wählt. Verdrängtes liegt buchstäblich ganz unten im Keller, und wenn DiCaprio & Co. in den Köpfen ihrer Opfer nach Geheimnissen suchen, dann befinden sich diese tatsächlich in Safes.

Das klingt ein bisschen naiv, und doch ist Inception kein schlechter Film. Im Gegenteil. Von den vielen Pluspunkten muss man vor allem die Tatsache hervorheben, dass einen die postmoderne Mode-Idee von der Welt als Konstrukt nicht langweilt. An Filmen mit diesem Thema mangelt es schließlich nicht – von Welt am Draht aus den 70ern über The 13th Floor bis zur Matrix.

Man kann Inception auch ganz anders lesen – als Variante von Filmen wie Rififi oder Ocean's Eleven. Sprich: Meisterdieb versammelt Team von Spezialisten für einen spektakulären Einbruch. Nur, dass der Coup diesmal im Kopf des Opfers stattfindet. Dort klaut der vornamenlose Cobb (DiCaprio) Informationen von der biologischen Festplatte seiner Zielpersonen. Das Ganze geschieht, während diese träumen.

In seltenen Fällen geht es auch mal andersherum. Dann muss Cobb eine Idee in das Gehirn des Opfers einpflanzen. "Inception" ("Beginn") nennt sich dieser Vorgang, der deutlich mehr Aufwand erfordert als der reine Datenklau. Im Film soll Cobb dem Sohn eines verstorbenen Energie-Tycoons die Idee "vermitteln", seine Firma zu zerschlagen. Aus welchem Grund, das erfährt man als Zuschauer nur in sehr vagen Ansätzen. Auch ein Indiz, dass Nolan das Traummotiv mehr interessiert als das Warum des Ganzen (dazu passt, dass die Geschichte der Inception-Technologie nur in einem Halbsatz, beinahe lahm, erklärt wird).

Cobbs Ausflug in die Träume des Tycoons zeigt Inception umso detaillierter, und hier muss man als Zuschauer ziemlich gut aufpassen. Der Einbruch findet auf verschiedenen Bewusstseinsebenen statt, manchmal als Traum-im-Traum-im-Traum. Die verschiedenen Schichten auseinander zu halten, fällt nicht immer leicht – dass Inception seine Zuschauer geistig unterfordert, kann man wirklich nicht behaupten. Kaum zu glauben, dass man es hier mit einem Blockbuster zu tun hat, der sein Publikum nicht nur berieseln will.

Wo die Produktionskosten von angeblich 200 Millionen Dollar geblieben sind, kann man leicht erkennen. Inception fährt ein paar denkwürdige Bilder auf, und das im wortwörtlichen Sinne (das "gefaltete" Paris und die schwerkraftlosen Hotel-Szenen bleiben besonders hängen). Es ist nicht übertrieben zu behaupten, dass sich diese Bilder ähnlich einbrennen werden wie die Kulissen von Blade Runner oder die verqueren Physikeffekte in Die Matrix. Insofern ist Inception selbst ein Bild-Mem, das aus den Köpfen der Zuschauer in Zukunft schwer herauszubekommen sein wird.

Das ist natürlich eines der größten Komplimente, die man einem Film überhaupt machen kann. Inception mag bei genauem Hinsehen weniger originell sein, als man denkt – die Bilder, die dieser Film beschwört, flackern lange nach. Wie eine gute Idee eben.

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Inception, Regie: Christopher Nolan, GB/USA 2010, 148 Min. Trailer hier.

Alles so real hier

Ingo Juknat — Mon, 12 Jul 2010 15:06:36 GMT

Hey, Carglass, Mercedes, 1und1, Rheinbahn & Konsorten. Ich weiß, Ihr meint es gut mit Eurer personalisierten Werbung: die Firma als Familie von Individuen, als Gegenentwurf zum gesichtslosen Multi, schon kapiert. Aber – ganz ehrlich – ich will den Glamour zurück. Ich will die unrealistischen Versprechen zurück, vorgetragen von bildschönen Menschen mit angenehmen Stimmen. Ich will den Weichzeichner wiederhaben, die Sportskarossen in der Serpentine am Lago Maggiore und den einsamen Jever-Trinker am Strand.

Ich möchte dagegen nicht mehr sehen, wie der Kundenberater von 1und1 mit Klemmbrett durch Großraumbüros geht und dabei in Berti-Vogts-Gedächtnisstimme von seinem irren Service erzählt. "Aber so sieht das nun mal aus bei 1und1, so ist die Wirklichkeit," sagt Ihr. Kann sein. Aber diesen reality check habe ich jeden Tag. In der Werbung will ich Paralleluniversen sehen, die Firma als Mythos, Ihr wisst schon. Wie soll das mit 1und1 oder Carglass gehen? Keine Ahnung, Ihr seid die Werber.

Davon abgesehen – die Kuschelfirma, in der jeder Kunde die Durchwahl vom Chef hat, wo Kicker und Bionade-Automat in der Lobby stehen, ist genauso ein Klischee wie der böse "Großkonzern," in dem anonyme Waben-Malocher einsam vor sich hindämmern. Und Marcell D'Avis, dieser Kundenberater, tut mir jetzt schon Leid. Der wird zeit seines Lebens der 1und1-Mann sein, selbst wenn er da Jahrzehnte nicht mehr arbeitet. Der Effekt nennt sich Melitta-Mann-Syndrom. Aber das nur nebenbei.

Das Auge der Moderne

Ingo Juknat — Wed, 30 Jun 2010 08:02:40 GMT

Wenn manche Häuser Stars wären, dann hätte man Julius Shulman einen Promi-Fotografen genannt. Er hat sie alle abgelichtet, die Neutras, Wrights, Meiers, Corbusiers, Lautners und viele mehr. Bilder wie das "Case Study House 22" (Foto) kennt fast jeder, es sind Ikonen der Moderne. 2009 starb Shulman im Alter von 98 Jahren, dieser Dokumentarfilm entstand kurz vor seinem Tod.

Der Film beginnt mit einer Sequenz, die eigentlich verwundert: Shulman sitzt im Garten seines Anwesens, es sieht aus wie im Dschungel. Seine Nachbarn würden am liebsten die Machete ansetzen, erzählt der greise Fotograf, er selbst liebe die Natur so wild und durcheinander. Welch Kontrast zu Shulmans Bildmotiven – den aufgeräumt-asketischen Häusern der klassischen Moderne mit ihren klaren Linien und rechten Winkeln.

Auch sonst ahnt man, dass Shulman nicht in jedem seiner Foto-Objekte gerne gewohnt hätte. An einer Stelle im Film erzählt seine Tochter vom Einzug in das eigene, von Richard Neutra gebaute, Haus. Der Star-Architekt sei entsetzt gewesen über die vielen Möbel der Famile. Ihr Vater habe auf Neutras Einwände nicht viel gegeben: "Er wollte, dass das Haus so aussieht, als ob hier auch wirklich jemand lebt."

Shulmans Bilder dagegen waren kalkulierte, durchkomponierte Arbeiten, Projektionsflächen für die Fantasie einer wohlhabenden Klientel. Seine Fotos erschienen in populären Wohnmagazinen der USA und definierten, wie modernes Wohnen nach dem Zweiten Weltkrieg auszusehen hatte. Inbegriff dieser neuen Baukultur waren die "Case Study Houses" – eine Reihe von Wohnhäusern, die gleichzeitig experimentell und kostengünstig sein sollten. Gesponsert wurde das Programm von der Zeitschrift "Arts & Architecture", die dafür große Namen wie Neutra, Craig Ellwood und Charles Eames gewinnen konnte. Die Fotografien der Fallstudien-Häuser stammten allesamt von Shulman.

Für den Film betritt er viele dieser Gebäude noch einmal, zum Teil mehr als 50 Jahre später. Shulman ist inzwischen über 90, er muss sich oft einhaken, manchmal hat man das Gefühl, die Macher dieses Films muten ihm eine Menge zu. Andererseits ist Shulman geistig so wach, dass es eine Freude ist, ihm zuzuhören, wie er die Geschichte des Ortes erzählt. Manchmal wird es sogar recht lustig. So beim Grace Miller House in Palm Springs, das ursprünglich mal völlig allein in der Wüste stand, bei Shulmans neuerlichem Besuch aber von einer Fabrikhalle überschattet wird. "Ich habe Katherine [der aktuellen Mieterin] vorgeschlagen, ein paar Stangen Dynamit für diesen Schrotthaufen zu kaufen," sagt Shulman und grinst wie ein kleiner Junge.

Visual Acoustics ist auch ein Film über Süd-Kalifornien, wo – seinem Plastik-Image zum Trotz – einige der bedeutendsten Bauten der klassischen Moderne stehen. Darunter auch die extravaganten Häuser von John Lautner, die es in etliche Hollywood-Produktionen geschafft haben, wo sie kurioserweise vor allem von Bösewichten bewohnt werden (im Film sehen wir u.a. das aus "Diamantenfieber" und "The Big Lebowski" bekannte Elrod House in Palm Springs). Die Idee ist vermutlich, dass Schurken gerne in ausgefallenen Kulissen leben.

So mancher Architekt verdankte den Bildern Shulmans seine Karriere. In einem Fall war der Einfluss des Fotografen sogar direkt: So besorgte er dem jungen Frank Gehry die ersten Aufträge. Und das, obwohl im Film deutlich wird, dass Shulman dessen verspielte Entwürfe nicht besonders liegen.

Am Ende ist Shulmans Werk eben doch untrennbar mit der klassischen Moderne verbunden. Ohne seine Bilder würden wir diese Epoche der Architektur mit anderen Augen sehen, soviel nimmt man aus "Visual Acoustics" auf jeden Fall mit.

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Visual Acoustics. The Modernism of Julius Shulman, Regie: Eric Bricker, USA 2009, 83 Min., Trailer hier.

Prachtmädchen im Taschenrausch

Ingo Juknat — Tue, 22 Jun 2010 15:35:25 GMT

Wer in diesen Tagen durch Deutschlands alternative Shoppingkieze läuft, kommt sich vor wie im Märchen. Da liegt das "Nymphenfieber" nur ein paar Türen entfernt von "Maegde und Knechte," dem "Gestiefelten Kater" und den "Blutsgeschwistern." Ein paar Ecken weiter landet man im "Alpenglühn" oder "Elfenreich." Das sind übrigens alles nicht-ausgedachte Shops in Hamburg.

Läden wie diese werden meist von Frauen in ihren 30ern geführt. Manchmal haben sie zuvor in Werbeagenturen gearbeitet, haben dann aber gemerkt, dass 50-Stunden-Woche und Ferrero-Spots doch nicht das sind, was sie sich vom Leben einmal versprochen haben. (Das klingt zynischer, als es gemeint ist. Menschen mit Zickzack-Lebensläufen sind mir durchaus sympathisch.) Aus der Werbe-Zeit stammt jedenfalls das Talent für einprägsame Logos und gute Vermarktung.

Wenn ich die Shop-Namen richtig lese, dann sollen sie drei Dinge transportieren: dass der Laden zu keiner multinationalen Ausbeuter-Kette gehört, dass lokal produziert wird (deutscher Name) – und das nicht am Fließband, sondern wie in der guten, alten Zeit (vgl. die Retro-Anklänge bei "Maegde und Knechte" oder "Nymphenfieber"). Manchmal ist auch ein Element von Frauensolidarität dabei. Da heißt der Frisör dann "Kluge Mädchen," das Mode-Label "Sisterhood," "Prachtmädchen" oder "Schwesterherz." Warum sich erwachsene Frauen so gerne als "Mädchen" bezeichnen, ist mir nicht ganz klar. Aber vielleicht ist das eine Art von Postfeminismus.

Manche Namen der neuen deutschen Shop-Welle schießen für meinen Geschmack ein bisschen übers Ziel hinaus. Einen "Taschenrausch" möchte man niemandem wünschen, den "Silberfischer" (T-Shirts, Berlin) finde ich eklig und der "Superschlüpfer" – naja, Sie verstehen, was ich meine.

Das Sporthymnen-Dilemma

Ingo Juknat — Tue, 15 Jun 2010 20:27:24 GMT

Einer der vielen Gründe, warum man gegen die Band Queen sein sollte, lautet "We Are the Champions." Mir wird jetzt schon ganz anders beim Gedanken ans WM-Finale und das obligatorische Ende mit Freddy Mercury. Dabei könnte der Schlusssong von mir aus ruhig sentimental sein, wenn es nur nicht dieser wäre ... Fairerweise muss man hinzufügen, dass dieses Stück im grundfinsteren Genre der Sporthymnen noch nicht mal das schlimmste ist.

Den Tiefstplatz in meinen "Bottom 5" hält derzeit die deutsche Band Revolverheld (Foto). Bis 2004 hieß sie angeblich "Tsunamikiller," was die These stützt, dass Gruppen mit besonders ausgeprägtem Vorort-Look sich gerne die Aura von Gefährlichkeit geben, und sei es nur im Namen. Seit ein paar Jahren versuchen Revolverheld jedenfalls in Ermangelung anderer Talente in die Nische der patriotisch aufgeladenen Stadionsongs vorzudringen. Wobei das Wort "Nische" nicht ganz korrekt ist, wenn man den Erfolg der Sportfreunde Stiller und "54-74-90-2010" bedenkt.

Bevor mir Fußballphobie und Fun-Ferne vorgeworfen wird (keine Alliteration beabsichtigt, ehrlich), möchte ich darauf hinweisen, dass die Lightning Seeds vor etlichen Jahren das Kunststück fertig gebracht haben, eine ziemlich unpeinliche Nationalmannschaftshymne zu schreiben, die sogar ich mitsingen würde, wenn ich Engländer wäre. Ich sage nur "Three Lions".

Sporthymnen – althergebrachte Vereins-Songs lasse ich mal außen vor – fallen normalerweise in zwei Kategorien: anpeitschend und sentimental. Zur ersten gehören z.B. "Reach Out for the Medal" oder "Go for Gold", zur zweiten alles im Stile von "One Moment in Time" oder eben "We Are the Champions."

Unabhängig von der Kategorie, haben Sporthymnen ein gewisse Ähnlichkeit mit Karnevalssongs. Zumindest für die Menschen, die sie nicht mögen. Die stehen nämlich unter Generalverdacht der Emotionslosigkeit und/oder Verklemmung. Um sich diesen – natürlich unsinnigen – Vorwürfen zu entziehen, singen und schunkeln sie gezwungenermaßen mit, was dann so unlocker aussieht, dass der Vorwurf der Verkrampftheit zur selbsterfüllenden Prophezeiung wird.

Also, Sportfreunde, nichts für ungut, aber da feiere ich lieber stumm.

Piraten im Twin-Peaks-Land

Ingo Juknat — Tue, 08 Jun 2010 09:21:40 GMT

Bis gestern dachte ich, der kürzlich verstorbene Corey Haim hätte in den "Goonies" mitgespielt. Tatsächlich heißt der Schauspieler, den ich meinte, Corey Feldman (und er lebt noch). Ich hätte das eigentlich besser wissen müssen, immerhin waren die "Goonies" mal mein Lieblingsfilm. Vor 25 Jahren. Smells like Jubiläum, weswegen ich mir den Film jetzt noch mal angeschaut habe.

Normalerweise ist so etwas keine gute Idee. Filme, die man als Kind geliebt hat, sollte man sich als Erwachsener nicht mehr anschauen. Den Zauber holt man eh nicht zurück. Bei den Goonies habe ich zumindest verstanden, was ich damals mochte.

Ich meine, es ist aber auch alles drin in diesem Film, was man als kleiner Junge liebt: Piratenschiffe, Schatztruhen, Geheimgänge, Rätsel und fiese-aber-nicht-zu-fiese Gangster (mehr die ungeschickte, auf Glasperlen ausrutschende Sorte à la "Kevin allein zu Haus").

Der Film wirkt immer noch sehr spielbergianisch, obwohl der Großmeister "nur" die Geschichte verfasst hat. Regie führte Richard Donner, der eine reichlich seltsame Filmografie vorzuweisen hat (dazu gehören neben den "Goonies" auch der Schocker "Das Omen" (1976) und die "Leathal Weapon"-Reihe – dass der Mann nur in einem Genre dreht, kann man wirklich nicht behaupten).

Spielbergs Handschrift wiederum erkennt man vor allem an der Vorliebe für umfangreiche Fallensysteme und alte Karten ("Indiana Jones" ist in der Hinsicht wirklich ein Echo der Goonies) und an der typischen Darstellung einer Außenseiter-Clique, die über sich selbst hinauswächst. Hier tauchen sie alle auf, die Archetypen amerikanischer Teenagerfilme: der fette Träumer, der asiatische Erfinder/Computernerd, der smarte ältere Bruder mit der Cheerleader-Freundin, die der Rest der Kids insgeheim scharf findet, sowie ihr Gegenpart, das bebrillte Schlaumeiermädchen. Das klingt heute reichlich platt, aber man sollte nicht vergessen, dass Spielberg diese Archetypen zum Teil selbst in die amerikanische Popmythologie eingeführt hat.

Die Handlung der Goonies spielt im Nordwesten der USA, und ich weiß noch, dass ich als Kind unbedingt in einem dieser Holzhäuser am Hang wohnen wollte, aus deren Erker man auf den Pazifik gucken kann. (Das gleiche Gefühl hatte ich Jahre später bei David Gutersons "Schnee, der auf Zedern fällt" – einem Roman, der in derselben Gegend spielt.) Irgendwie schafft es Spielberg immer wieder, die USA als heilen Sehnsuchtsort zu vermitteln.

Und doch gibt eine gewisse Ähnlichkeit in der Art, wie der pazifische Nordwesten in den Goonies und "Twin Peaks" dargestellt wird. Irgendetwas ist da, in den rauschenden Wäldern, zwischen Berggipfeln, Wasserfällen und alten Indianer-Stätten. Bei Spielberg/Donner fällt das Geheimnis nur nicht so abgründig aus wie bei Lynch.

Sagte ich eigentlich, dass die Goonies eine antikapitalistische Message haben? Naja, fast. Mit den Diamanten aus dem Piratenschatz kaufen die Kinder nämlich die Grundstücke und Häuser ihrer Eltern zurück, die eigentlich der Expansion eines snobistischen Country Clubs zum Opfer fallen sollten. Und so verhindern die geraubten Juwelen der Freibeuter einen Raub der Neuzeit. Wenn das kein schöner Kniff ist.

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Die Goonies, USA 1985, Regie: Richard Donner, 110 Minuten, Warner Home Video

Stochern im Nebel

Ingo Juknat — Tue, 01 Jun 2010 13:37:16 GMT

Gestern Mittag blinkte am Rand meiner Facebook-Startseite ein Banner. Der Inhalt lautete sinngemäß: "Halten Sie die israelische Kaperung der Gaza-Hilfsschiffe für richtig?" Die Aktion, um die es ging, war gerade ein paar Stunden alt und hatte sich Tausende Kilometer entfernt abgespielt. Die Schilderungen, was passiert war, gingen erwartungsgemäß weit auseinander. Auf welcher Basis sollte ich – oder irgendein anderer Facebook-Nutzer – die Angemessenheit also beurteilen?

Es war einer dieser Momente, in denen ich mir die Zeit vor dem Internet zurückwünschte. Wenn nicht sogar die Zeit vor der Erfindung von Live-Satellitenübertragungen und Ähnlichem. Die Langsamkeit von Nachrichten hatte ihre Vorteile. Niemand stand unter dem Druck, binnen Minuten eine Meinung abzusondern zu Ereignissen, deren Komplexität und wahrer Hergang noch gar nicht geklärt waren.

Anders heute. Von den vielen Stimmen, die auf nähere Informationen nicht so gerne warten wollten, gehörte Gregor Gysi. O-Ton: „Ohne im Einzelnen beurteilen zu können, was bei der Besetzung geschah, ist es niemals und durch nichts zu rechtfertigen und deshalb verbrecherisch, dass einseitig das Feuer eröffnet wird." Bei aller Tragik, die ich hier keinesfalls herunterspielen will – wenn ich etwas "im Einzelnen nicht beurteilen" kann, muss ich dann nicht abwarten, bis sich die Nachrichtenlage bessert? Gerade bei einem solch gravierenden Thema?

Hier ein paar Hintergrundinfos, die Herr Gysi hätte abwarten können. Laut Haaretz versuchten einige der Aktivisten, die an Bord gegangenen israelischen Soldaten zu lynchen. Zunächst hatten diese übrigens nicht-tödliche Waffen benutzt – erst nachdem sie beschossen und mit Messern und Knüppeln angegriffen wurden, änderte sich das. Von einseitiger Feuereröffnung kann keine Rede sein. Was gestern ebenfalls unterging, war die Tatsache, dass die israelische Marine den Konvoi mehrfach gewarnt hatte abzudrehen. (Mal abgesehen davon, dass der Eintritt in eine Blockadezone, die der Blockierende als lebenswichtig begreift, eine gefährliche Idee ist.)

Die israelische Regierung hatte den Organisatoren der Flottille übrigens angeboten, den Hafen von Ashdot anzulaufen und die Hilfsgüter über Land nach Gaza zu bringen. Eine der Organisatorinnen quittierte das mit den Worten: „Bei dieser Mission geht es nicht darum, humanitäre Güter zu liefern, es geht darum, Israels Blockade zu brechen" (siehe auch hier). Mit anderen Worten: Die Hilfsgüter hätten problemlos ankommen können.

Das alles zu sagen heißt nicht, die elende Situation der Menschen im Gaza-Streifen zu beschönigen oder die Blockade grundsätzlich richtig zu finden. Das Bild ist aber nun einmal komplexer als "Friedensaktivisten vs. Militär." Das sollte im Zeitalter von Instant-Meldungen und -Meinungen nicht untergehen.

Fassbinders abgestürzte Computersimulati...

Ingo Juknat — Wed, 26 May 2010 19:52:32 GMT

Ich hatte ja gehofft, dass mich dieser wiederentdeckte Film doch noch zum Fassbinder-Fan machen könnte, aber daraus ist leider nichts geworden. Zugegeben: Mit "Simulacron Drei" hat RWF eine faszinierende Vorlage ausgegraben. Der Roman, der "Welt am Draht" zugrunde liegt, war seiner Zeit gut und gern 40 Jahre voraus – das ist allerdings die Leistung von Autor Daniel F. Galouye und nicht Fassbinders.

Eine Warnung vorab: Man kann den Roman (und Film) unmöglich zusammenfassen, ohne die große Pointe kaputtzumachen. Wer sich eine Überraschung bewahren will, sollte an dieser Stelle abspringen.

Für alle anderen: Simulacron Drei handelt von einem besonderen Marktforschungsinstrument: einer im Computer simulierten Welt, deren Bewohner sich ihrer Existenz als Bits und Bytes nicht bewusst sind und die ggf. "von oben" gelöscht werden können. Als das geschieht, beginnt einer der Konstrukt-Bewohner die Wahrheit zu ahnen.

Die Filmversion scheitert hier an einem Grundmissverständnis. Fassbinder lässt einen Großteil der Figuren absichtlich hölzern und surreal agieren und setzt auch bei den Kulissen auf eine Art konstanten Ver- bzw. Befremdungseffekt. Das mag künstlerische Gründe haben, läuft der Logik der Geschichte aber völlig zuwider. Ich meine, es ist doch so: Wenn Sie Tausende Menschen glauben machen wollen, dass sie sich in einer normalen Umgebung befinden, dann ergibt es wenig Sinn, ein paar Leute normal agieren zu lassen und andere wie bizarre Marionetten zu programmieren. Mit anderen Worten, Stiller, der Protagonist, müsste eigentlich schon nach fünf Minuten merken, dass mit seiner Welt etwas nicht stimmt.

Von der mangelnden Logik dieser Verfremdungseffekte abgesehen, gehen einem manche Spleens der Inszenierung auch schnell auf den Geist. Da wäre, allen voran, die ständige Walzer- und Sirtaki-(?)-Musik im Hintergrund. Oder Stillers phlegmatische Sekretärin, deren Look man nur als, Verzeihung, gummipuppenhaft bezeichnen kann. Schließlich die "Men in Black"-Karikaturen, die der Sicherheitsbeauftragte der Computerfirma immer im Schlepptau hat. Man könnte die Liste wahrscheinlich künstlerischer, aber dramaturgisch sinnloser Elemente leicht verlängern.

Selbst wenn man in Rechnung stellt, dass Fassbinder sich über diese Stilmittel Gedanken gemacht hat und das alles so sein soll, dann bleiben immer noch genug Gründe, diesen Film schwach zu finden. Die Dialoge etwa. Gut die Hälfte aller Gespräche scheint nach dem Schema Halbsatz-von-A-Ergänzung-von-B abzulaufen. Etwa so:

- "Ich konnte doch nicht wissen, dass – "
- "Was konnten Sie nicht wissen?"

- "Es ist alles in Ordnung, nur –"
- "Nur?"

- "Wirklich, ich –"
- "Sie wollen was?"

Ich bin mir sicher, dass solche Dialoge in Drehbuchseminaren zum No-No-Inventar gehören. Genau wie Bösewichte, die sich, nachdem sie die irrwitzige Wahrheit offenbart haben, auf dem Boden umherwälzen und hysterisch lachen.

Leider kann der Regisseur nicht anders, als Galouyes Vorlage mit seinen (RWFs) bekannten Obsessionen zu versehen. Und so kommt "Welt am Draht" in der Filmversion auch nicht ohne die für Fassbinder typischen camp-Elemente aus – weißgeschminkte Männer mit roten Lippen, Marlene-Dietrich-Klone, Paare unter Löwenfelldecken. Selbst der neue Technikchef des Computerkonzers sieht aus, als sei er direkt aus der Varietéshow entsprungen.

Wahrscheinlich hätte Fassbinder sich entscheiden sollen, ob er die Simulationsgeschichte ernstnimmt oder das Ganze als surreale Farce inszeniert. So ist "Welt am Draht" ein zum Teil nervtötender Zwitter, der eine visionäre Vorlage zugunsten einer hochgradig manierierten Inszenierung verspielt.

Es ist vermutlich der geringeren Eitelkeit von Roland Emmerich zu verdanken, dass dessen – auch nicht gerade überragende – Neuverfilmung "The 13th Floor" (1999) um einiges gelungener ist. Wer ein wirklich gutes Kunstwerk sucht, liest einfach das Buch.

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Welt am Draht, Deutschland 1973, Regie: Rainer Werner Fassbinder, 204 Minuten, DVD erschienen bei Arthaus Film

"Brennpunkt" Ballack? Entschuldigung ...

Ingo Juknat — Mon, 24 May 2010 13:32:18 GMT

Vor ein paar Monaten zweifelte ich erstmals an der Tagesschau. Die Top-Meldung lautete: Michael Schumacher fährt wieder Formel 1. Ich fragte mich, ob es einen Tag geben konnte, der so arm an Nachrichten war, dass eine Motorsport-Personalie auf Platz eins rangierte. Gab es aus 200 Ländern mit sechseinhalb Milliarden Einwohnern nichts anderes zu vermelden: Wahlen, Kriege, Stürme, wissenschaftliche Entdeckungen?

Ein paar Tage später zeigte Phoenix – und ich lüge nicht – eine Live-(!)-Übertragung der "Sex-Beichte" des Golfers Tiger Woods. In den Programmgrundsätzen des Senders heißt es: "PHOENIX dient der politischen Meinungs- und Willensbildung der Bürgerinnen und Bürger, es sollen Hintergründe erhellt und Zusammenhänge dargestellt werden." Wie Golf im Allgemeinen und Tiger Woods im Speziellen zu meiner politischen Willensbildung beiträgt, werde ich wohl nicht mehr erfahren.

Jüngstes Beispiel in der Reihe: Michael Ballack. Zu seiner Verletzung gab es am selben Abend ein "ZDF Spezial" und einen ARD-"Brennpunkt." Soweit ich mich erinnern kann, waren Brennpunkte mal für nationale und international relevante Krisenthemen reserviert. Ich weiß zwar, dass der WM-Ausfall von Herrn Ballack für manche Menschen in diese Kategorie fällt. Aber selbst diese Zielgruppe braucht (hoffentlich) keine öffentlich-rechtliche Prime-Time-Reportage.

Verstehen Sie mich nicht falsch: Ich gönne jedem seinen Sportteil. Aber wenn demnächst Boris Becker eine seiner ungefragt eingesandten Kinderzeugungsanekdoten in der Tagesschau zum Besten gibt oder Podolskis Sponsoring-Verträge Thema bei "Monitor" werden, trage ich meinen Fernseher wirklich in den Keller.

P.S. Am Tag nach der Ballack-Meldung las ich, dass die öffentlich-rechtlichen Sondersendungen zu dem Thema schlechte Quoten hatten. Immerhin.

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Repro: WDR

Im Zeitalter der Paranoia

Ingo Juknat — Tue, 18 May 2010 15:42:52 GMT

65 Millionen Dollar beträgt das Budget des Films The Adjustment Bureau, der im Herbst in die Kinos kommt (Hauptrolle: Matt Damon). Er basiert auf einer Kurzgeschichte, die Philip K. Dick Mitte der 50er schrieb. Zu dem Zeitpunkt lebten er und seine Frau von 90 Dollar im Monat. Manchmal aßen sie Hundefutter. Heute wäre Dick ein reicher Mann. 28 Jahre nach seinem Tod wird sein Backkatalog geplündert wie kaum ein anderer Geschichtenschatz.

Neben Adjustment Bureau läuft demnächst auch noch der Film Radio Free Albemuth an, nach dem gleichnamigen, posthum erschienenen, Roman. Das dritte aktuelle Projekt stammt ebenfalls aus Dicks Nachlass: eine 8 000 Seiten starke Autobiografie namens Exegesis. Der Titel kommt nicht von ungefähr. Der Autor versuchte darin, seine religiösen Visionen aus den 70er Jahren zu interpretieren (ein Thema, das durch viele von Dicks Spätwerken weht).

Um sich klarzumachen, wie sehr dieser Autor ins (pop)kulturelle Unterbewusstsein eingedrungen ist, muss man sich nur die vielen Verfilmungen anschauen, durch deren Filter Dicks Vision ein Massenpublikum erreicht hat – von Total Recall über Minority Report bis zu Paycheck. Ganz oben türmt natürlich Blade Runner. Der Autor selbst konnte diesen Klassiker nur noch in Vorab-Ausschnitten sehen. Er war begeistert. Wahrscheinlich ahnte er, dass seine Zeit als mittelloser Autor vorbei sein würde. In einem Brief an den Produzenten schrieb er:

Wir [haben] gemeinsam eine einzigartige künstlerische Ausdrucksform geschaffen, die man so noch nie gesehen hat. Und ich denke, dass Blade Runner unsere Vorstellung davon, was Science Fiction ist, oder vielmehr: sein kann, revolutionieren wird.

Ein halbes Jahr später war Dick tot. Die Revolution hat er nicht mehr erlebt. All das Geld für seine Geschichten, es kam posthum. Er war der van Gogh der Science Fiction.

Vielleicht dachte Philip K. Dick einfach zu weit voraus, um zu Lebzeiten berühmt zu sein. Vielleicht hallen seine Obsessionen erst heute wirklich nach: all die Simulationen, Täuschungen, falschen Identitäten und Verschwörungen. Die Welt des Philip K. Dick ist eine paranoide, sogar noch paranoider als die von Kafka. In dessen Romanen wissen die Charaktere zumindest, wer sie selbst sind. Nicht so bei Dick.

Ein paar Beispiele: Ist Deckart aus Blade Runner selbst ein Replikant? Sind die Erinnerungen von Douglas Quail in Erinnerungen en gros (verfilmt als Total Recall) nur implantiert? Ist der Atomkrieg an der Oberwelt schon seit Jahren vorbei und wenn ja, wer gaukelt den Bunkerbewohnern etwas anderes vor (Zehn Jahre nach dem Blitz)? Lebt Mr Tagomi in Das Orakel vom Berge in der falschen Version der Geschichte?

Es ist schlicht unmöglich, Filme aus dem die-Welt-ist-nicht-so-wie-sie-scheint-Genre zu schauen, ohne den Einfluss von Dick zu erkennen. Blockbuster wie Die Matrix, 12 Monkeys oder The Thirteenth Floor sind ohne ihn nicht denkbar.

Wenn es stimmt, dass wir in einem Zeitalter von Verschwörungstheorien leben (von 9/11-Mythen bis zum Da Vinci Code), dann kann man den späten und umfassenden Erfolg von Philip K. Dick erklären. Seine Protagonisten irren durch eine Welt, die von andern unsichtbar manipuliert ist – das anfangs erwähnte "Adjustment Bureau" ist archetypisch für diese Art von Story. Ob es ein Zeichen von Gesundheit ist, dass Dicks Verschwörungsvisionen derzeit so allgegenwärtig sind, sei mal dahingestellt. Als Geschichten sind sie faszinierend. Vielleicht reicht das auch als Grund.

30 Jahre auf Pillen

Ingo Juknat — Mon, 10 May 2010 12:50:28 GMT

Ich sag's nur ungern, Mario, aber laut Guinness-Buch der Rekorde bist Du nicht die bekannteste Videospiel-Figur der Welt. Es ist Pac-Man. 30 Jahre wird die gelbe Pizzascheibe diesen Monat, in ein paar Tagen gibt's eine offizielle Geburtstagsparty auf der E3, der größten Computerspiel-Messe überhaupt.

Ausgerichtet wird die Sause vom Pac-Man-Hersteller Namco. Dort schätzt man, dass allein der Automat in den ersten 20 Jahren ca. 10 Milliarden Mal gespielt wurde – eine Zahl, die man vermutlich verdoppeln kann, wenn man sämtliche Umsetzungen auf Heimkonsolen und Computern miteinrechnet. Auch sonst hat Namco seine cash cow in den letzten 30 Jahren gut gemolken. 23 offizielle Pac-Man-Nachfolger hat es seit 1980 gegeben – 3D-Versionen, Plattform-Varianten und iPhone-Ableger. Manchmal waren die Unterschiede zu den jeweiligen Vorgängern minimal. Im Film Wayne's World (1991) gibt es eine schöne Szene, die diese Entwicklung parodiert:

Wayne: OK, Noah. Es gibt da eine Sache, die ich schon immer wissen wollte: Was ist eigentlich der Unterschied zwischen Pac-Man und Ms. Pac-Man?

Noah: Nun, sie hat eine Schleife auf dem Kopf.

Aber, gut. Was soll man machen, wenn man etwas geschaffen hat, das in seiner Schlichtheit perfekt ist? Jedes weitere Element stört nur. (Man denke an die Trikots der deutschen Fußball-Nationalmannschaft: Sah irgendein Modell nach den 70ern noch mal so einfach und schön aus?)

Das überbenutzte Wort von der "Ikone" – im Fall von Pac-Man stimmt es einmal. Der gelbe Punktefresser ist nicht nur Symbol für die Computerspielindustrie, sondern für ein ganzes Jahrzehnt. Ich wette, wenn man 1000 Menschen bitten würde, ein Zeichen für die 80er Jahre zu finden, käme bei 500 ein gelber Kreis heraus, dem ein Sektor fehlt. Im Jahr 2010 ist er vor allem ein Retro-Symbol. Ich weiß nicht, wie ein heute 10jähriger ein Spiel wie Pac-Man aufnimmt – in den Zeiten von interaktiven Filmen und Highend-Grafik wahrscheinlich bloß mit der Frage: Ist das alles? Ich könnte es ihm nicht verübeln. Es ist eine Frage des Erwartungshorizonts.

1980 war Pac-Man der Hit. Warum man damit hunderte von Stunden verbrachte, ist ohne den Zeitkontext einfach nicht zu verstehen. Es ist nicht dasselbe wie Schach. Schach ist Jahrhunderte alt und doch kein Retro-Phänomen. Pac-Man spielt man immer mit einer gewissen Museums-Nostalgie. Vielleicht ist das der Unterschied zwischen digitalen und analogen Klassikern.

Und so muss man auch nicht allzu retro-selig werden. Wenig ist schließlich schlimmer als popkulturelle Kinderzimmer-Nostalgie von Menschen in ihren 30ern. Es reicht, zum Geburtstag des alten Pillenmampfers eine Runde durchs Labyrinth zu drehen und zu denken: Es war (und ist) einfach ein gutes Spiel.

In der Zitat-Wüste

Ingo Juknat — Sun, 02 May 2010 18:18:53 GMT

Es ist schon seltsam: Da taucht ein revolutionäres neues Medium auf, und nach 15 Jahren hat man den Eindruck, dass es vorwiegend Retro-Phänomene hervorbringt. Nehmen Sie Facebook. Kommt mir so vor, als würden dort nur noch Musikvideos und Filmschnipsel aus der Prä-Web-Ära gepostet. "Lange nicht gehört", "Ach, damals!" Seufzen auf den Rängen. Selbst Menschen Anfang 20 laden Videos hoch, die aus einer Zeit stammen, in der sie noch nicht mal geboren wurden.

Wer sich anderswo nach neuen, kreativen Inhalten umsieht, etwa bei YouTube, wird schnell feststellen, dass ein Großteil der Videos aus Katzenbabys mit Sonnenbrillen und Unfall-Clips à la "Pleiten, Pech und Pannen" besteht. Im Musikbereich wiederum sind "Mash-ups" der große Trend. Das heißt, alte Filme werden mit neuer Musik unterlegt, verschiedene Songs miteinander verbunden u.s.w.

Mash-ups werden von Vertretern der Open-Culture- und Anti-Copyright-Fraktion häufig als Beispiele einer "kreativen" Web-Kultur angeführt. Fragt sich nur, was von einer Bewegung zu halten ist, die das Zusammenpappen von Zitaten als größte Eigenleistung ansieht. Ich meine, verstehen wir uns nicht falsch: Ein Mash-up kann faszinieren (ich liebe z.B. das Brat-Pack-Mash-up von Phoenix' Lisztomania), aber es spielt nicht in derselben Liga wie das Original. Wenn Sie Apocalypse Now mit einem Metal-Song kreuzen, bleiben sowohl der Film als auch der Song die erstrangigen Kunstwerke, das Mash-up ist Derivat.

Die Ironie besteht darin, dass die Open-Culture-Bewegung den Produzenten des Rohmaterials (Filme, Musik, Literatur) immer mehr die finanzielle Grundlage entzieht. Interner-Pionier Jaron Lanier weist in dem wirklich exzellenten "You Are Not a Gadget" darauf hin, dass die raffinierteste Software der letzten Jahre immer noch von bezahlten Fachkräften programmiert worden ist, und nicht – wie etwa Linux – in einem Open-Source-Umfeld. Er nennt Flash, die Suchalgorithmen bei Google und das Mac-Betriebssytem als Beispiele. Die Beobachtung lässt sich auch auf den Hardware-Bereich ausdehnen:

Why did the adored iPhone come out of what many regard as the most closed, tyrannically managed software-develpment shop on Earth?

Lanier folgert:

The politically correct dogma that holds that open source is automatically the best path to creativity and innovation is not borne out by the facts.

Das heißt im Umkehrschluss, dass es ohne wirkungsvolle Bezahlmodelle für kreative Produkte nicht geht. Traurig, dass man diese auf der Hand liegende Tatsache überhaupt betonen muss und dass jeder, der das tut, in der ach-so-progressiven Blogosphäre als Ewiggestriger beschimpft wird. Solange die Open-Culture-Bewegung nicht mehr als Wikipedia auf der Haben-Seite nachweisen kann, muss eine neue Richtung her. Sonst leben wir in 20 Jahren nur noch von den kulturellen Fragmenten längst vergangener Zeiten.

Ein entferntes Grollen

Ingo Juknat — Tue, 27 Apr 2010 21:00:03 GMT

Wer letzten Freitag auf der Webseite der New York Times war, hat das neue Album von The National wahrscheinlich schon gehört. "High Violet" wurde dort, wie die Techies sagen, "gestreamt," was letztlich eine digitale Radio-Übertragung ist. Ich weiß nicht, ob die NYT schon mal ein ganzes Album vorab präsentiert hat. Häufig kommt es sicher nicht vor. Mit anderen Worten: The National sind etwas Besonderes.

Das wussten Hörer der Alben "Alligator" (2005) und "Boxer" (2007) freilich schon länger. Zu den bekennenden Fans gehören so unterschiedliche Menschen wie Barack Obama und Steve Reich. Der Rummel um die New Yorker Band wird nun vermutlich richtig losgehen. Dass sie demnächst auf Rotation im Autoradio gehen, glaube ich trotzdem nicht. Dafür sind The National einfach nicht beliebig genug.

Irgendetwas brodelt unter der Oberfläche ihrer Songs. Manchmal bricht es aus, manchmal merkt man nur das Zittern. Und selbst die ruhigen Songs haben Krachpotenzial. So richtig erkennt man das erst auf Konzerten. (Einen guten Eindruck davon bekommt man, wenn man die Studioversion von "Terrible Love" auf dem aktuellen Album mit der Live-Version bei Jimmy Fallon vergleicht.) Dieser Tiger-im-Käfig-Effekt grenzt The National, nebenbei bemerkt, von dem ab, was ich "Rolling-Stone-Bands" nenne, also diese behäbig vor sich hin folkenden Altmännerbands, die das Cover der Zeitschrift grundsätzlich zieren.

Das zweite unverwechselbare Merkmal von The National ist der Bariton des Sängers. Wenn es sowas wie kraftvolle Müdigkeit gibt, dann transportiert die Stimme von Matt Berninger genau das. Er ist wie jemand, der gerade noch den Blues am Tresen hatte, Reihen leerer Biergläser vor sich, um dann aufzustehen, zur Band rüberzugehen und das Mikro zu übernehmen. Lass mich mal. So geht das nicht weiter.

"High Violet" schwankt zwischen Americana, Indierock und Kammerpop. Auf der Platte sind vier überragende Songs: "Terrible Love", das langsam anschwellende (und stundenlang nachhallende) "Bloodbuzz Ohio", "Afraid of Everyone" und "Conversation". Danach ist man leider ein bisschen verwöhnt und harrt der Über-Highlights, die da nicht mehr kommen. Was schlicht heißt, dass der Rest der Songs "nur" gut ist, wenn auch, nach meinem Geschmack, ein bisschen zu still und introvertiert.

Aber wer weiß, wie Songs wie "Anyone's Ghost", "Runaway" oder "England" live klingen. Im August wissen wir mehr, spätestens beim Haldern Pop. Bis dahin.

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The National: "High Violet", Beggars Group/Indigo, ab 7. Mai

Und jetzt alle!

Ingo Juknat — Wed, 21 Apr 2010 18:25:40 GMT

Seit es in Island Asche regnet, wissen viele Menschen, dass Air Berlin eine eigene Firmenhymne hat. Man hört sie in der Hotline. Durchaus möglich, dass dahinter ein perfider Plan steckt. Der Song verursacht nämlich einen starken Auflegereflex. Andererseits gibt es Bilder bei YouTube, die belegen, dass diese Hymne auch auf internen Festen gespielt wird und dort für, ähem, Furore sorgt. Textlich ist das Stück ganz weit vorne:

Die Nase im Wind/

Den Kunden im Sinn/

Und ein Lächeln stets mit drin/

Air Berlin

Firmenhymnen existieren nur in Japan, dachte ich eigentlich. Aber von wegen. Es gibt ein "Warsteiner-Lied", einen Henkel-Song (in neun Sprachen!), eine Kaufland-Hymne und etliche mehr. Das Kuriose ist, dass diese Stücke alle klingen wie Off-Takes der Flippers oder Audio-Dateien aus Ralph Siegels Besser-nicht-veröffentlichen-Ordner. Selbst die Unternehmensberatung KPMG, der es ja nicht an Geld mangeln sollte, trumpft mit einem Song auf, der "einfach nur zum Träumen einlädt" (D.-T. Heck).

In der Regel werden Firmenhymnen von Frauen gesungen – in einer Stimmlage, die ich als "One Moment in Time"-Modus bezeichnen würde, nach dem Olympia-Song von Whitney Houston. Die Idee ist vermutlich, dass bei Kaufland und Henkel jeder über sich hinauswachsen kann, wenn er oder sie nur an die gemeinsame Mission glaubt.

Ein gewisser Gruppenzwang ist wahrscheinlich einkalkuliert. Man kann sich gut vorstellen, wie es bei den Kollegen rüberkommt, wenn man sich beim Betriebsfest statt zur gemeinsamen Hymne "abzugehen" an der Theke besäuft, wie es richtigerweise angezeigt wäre.

Ich habe zum Glück noch nie für ein Unternehmen gearbeitet, das eine eigene Hymne hat. Deshalb ist mir auch die Peinlichkeit erspart geblieben, auf Weihnachtsfeiern gemeinsam mit dem Chef Motivationsschlager anstimmen zu müssen. Sollte es jemals soweit kommen, werde ich krank sein. Da bin ich mir ziemlich sicher.

Knopf im Ohr

Ingo Juknat — Sat, 17 Apr 2010 12:45:59 GMT

Bis vor kurzem dachte ich, Oliver Geissen kandidiere in meinem Wahlkreis. Dann sah ich mir das Plakat näher an. Der Mann heißt Dirk Jehle. Er hat, auch das sieht man nur, wenn man näher rangeht, einen Knopf im linken und einen Ring im rechten Ohr. Ich weiß, was Du sagen willst, Dirk Jehle:

"Ich bin keiner dieser durchformatierten Profi-Politiker, sondern Individuum. Ich kann auch ein bisschen crazy sein, wenn es darauf ankommt. Manchmal esse ich Nutella mit dem Löffel. Einfach so! Und beim letzten Fototermin am Jugendamt habe ich mir eine Baseballkappe ausgeliehen und schief aufgesetzt. Alle haben gelacht. Voll locker, dieser Dirk."

"Bei der Parteiversammlung hieß es, nehmen Sie doch die Ohrringe raus, Herr Jehle. Das kommt nicht gut an bei den älteren Wählern. Wirkt unseriös. Aber ich habe mich durchgesetzt. Man muss da mal ein Zeichen setzen, ein bisschen frischer rüberkommen. Nicht wie unsere Hannelore. Ich meine, das würde ich natürlich nicht in der Öffentlichkeit sagen, haha."

"Zu sehr anecken will man ja auch nicht. Aber die Leute sollen schon denken, der Dirk, der tritt auch mal aus der Reihe und spricht auch unangenehme Themen an. Man darf es nur nicht übertreiben. Ich sag's mal mit einem Beispiel: Sex Pistols würde ich jetzt nicht spielen auf dem Parteitag. Scorpions schon. Die sind ja auch Rebellen. So ein bisschen."